ANOTHER WAY OF LOOKING
ON THE PAINTING OF CARLOS BLANCO ARTERO
Fernando Castro Flórez
Leonardo da Vinci warned that painting itself is not alive, "yet, devoid of life, it gives expression to living objects" (Treatise on Painting, paragraph 372). It is about placing before the eyes, evoking in its plasticity a dynamic of the living. Unlike language, the image has the capacity to apparently perpetuate movement and thus maintain the "liveliness" of the bodies it represents. "This conclusion is grounded," Hors Bredekamp warns in his Theory of the Iconic Act. This conclusion is grounded on the concept of the mathematical point where nothingness transitions into the line, which is foundational to painting. It emphasizes the connection between inaction and succession, as well as the immaterial and material aspects. The immaterial point, serving as the foundation of painting, represents a constant transgression leading towards its opposite, capturing the observer's attention. Despite originating from nothingness, it fills the infinite and possesses inexhaustible vitality. Carlos Blanco Artero's painting is undoubtedly permeated by intense vitalism in a fascinating play of forms that sets the viewer's imagination in motion.
Carlos Blanco Artero has acknowledged that his aesthetics is influenced by such artists as Picabia, Richter, Bacon or Saura, leading them to an extraordinary dialogue between figuration and abstraction, building upon the legacy of both Cubism and Abstract Expressionism. Far from an orthodox codification of the 'modern tradition,' it manages to articulate its own approach with exquisite pictorial technique and a great capacity to modulate themes that mainly allude to desire, bodily passion, or the seduction produced by women. If in a work like Zumbao (2021) a schematized or grotesque face with a 'dislocated' set of teeth and a single 'deranged' eye is easily recognizable, in a previous work, Violinist (2015), the trace of the musical instrument is unrecognizable, and what we see are curved shapes that resemble an 'unsolved puzzle.' A playful tone, a sort of 'commedia dell'arte,' enlivens this imagery, where a Gogo (2021) may appear dancing on a cylindrical podium with heels that push her body to the brink of a precipitous fall, or a drunken German may become the protagonist in a 2020 painting where the elements of the face are disarrayed.
We cannot forget the importance, generally speaking, of abstraction in the twentieth century. As W.J.T. Mitchell points out, throughout history, painting has consistently occupied a prominent position in the realm of art history, just as poetry in literary studies and cinema in media analysis. And modern abstract painting has been the fetish object of the history of painting, the specific style, genre, or tradition (the difficulty of naming it is part of the issue) in which painting is supposed to find its essential nature. Clement Greenberg put it in a more eloquent way when he declared that the abstract artist is so absorbed in the problems of his medium that he excludes any other consideration. Throughout Carlos Blanco Artero’s career some of his most accomplished works complete the abstract dynamic, as exemplified in Checkmate (2023), a large-format painting (235x235 cm) that obviously alludes to the game of chess, but where we do not need to 'identify' the pieces or the board.
Regarding the inextricable constitution of the weave in painting, Yves-Alain Bois recalled Mondrian's "braided labyrinths" in his collages. The becoming-visible of the pictorial place reveals something akin to the efficacy of its underside, or rather, the intertwining produces a volatility of planes. This way, Carlos Blanco Artero embraces the modernist flatness of painting while simultaneously introducing a sense of mysterious spatiality, a feeling of internal movement within the painting, or even synesthetically, one could speak of musicality. It is not coincidental that this artist enjoys interpreting pieces by Debussy, with which his pictorial passions engage in dialogue.
Carlos Blanco Artero has perfectly understood the (chromatic) qualities of the sensitive material of painting. His is one of the most lucid paintings that can be found, although they do not exclude the "torn consciousness," always thinking of the constitution of the visible as the advent of colour, as a matter that is, paradoxically, as dense as it is subtle. We would have to reconsider colour, in Aristotelian terms, as a potentiality (vehicle of visibility) that exists at the limit of bodies. The chromatic impulses are complex, even though, in the case of this painter, we notice an impressive ability to combine colours in sensual rhythms without stridency, avoiding the monotony of monochromatism while also avoiding excesses. Without any doubt, the word "voluptuousness" must be reclaimed, in the face of such a mature and intense aesthetic, transforming "checkmate" into a game that joyfully never ends.
In the painting where he captures Isa (2019), the metamorphic dynamics of faciality, in the Deleuzian sense, are focused on an eye which is almost "hyperrealistic." Affections and desire weave this playful mode of pictorial procedure in which figuration and abstraction are not antagonistic, setting aside any anecdotal approach. Flaubert said that the primary purpose of art was to make you see (faire voir) and then to make you dream (faire rêver); the author of "Elective Affinities" confided to the Goncourt brothers that when he wrote a novel, the plot was less important than the desire to give it a colour, a tone. The painter - Merleau-Ponty asserted categorically - whoever he may be, while painting, practices a magical theory of vision: things pass directly into the spirit, and it then exits through the eyes to wander into the concrete. The praise of the visible seems to challenge all those who try to encompass the world with words. Painting bodily opens up the world, making us, in every sense, seers.
Carlos Blanco Artero presents a quasi-cubist "checkmate" in which, by parodying the Picasso formula, he finds what he seeks: the chromatic planes of white, grey, or black play with cylindrical or spherical forms, leading us through the surface to feel a sensual topography. In Checkpoint, reminiscent of the surreal landscapes of Yves Tanguy and also evoking Francis Picabia's festive conception of painting, a broad "zone" (in the upper right part) remains apparently empty, although it can be suggested that it is occupied or traversed by our gaze. Perhaps we should contemplate the paintings of this passionate painter not so much looking for meaning but enjoying a playful impulse, without fear of losing face, seeking another way of looking.
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Leonardo da Vinci advirtió que la pintura no está viva en sí, “más sin tener vida, da expresión de objetos vivos” (Tratado de Pintura, parágrafo 372). Se trata de poner ante los ojos, evocar en su plasticidad una dinámica de lo vivo. A diferencia de la lengua, la imagen dispone de la capacidad de perpetuar aparentemente el movimiento y, con ello, mantener “con vida” los cuerpos representados por ella. “Esta conclusión tiene su fundamento –advierte Hors Bredekamp en su Teoría del acto icónico- en el hecho de que, en el punto matemático que define el paso de la nada a la línea y que produce con su movimiento la construcción de la pintura, están unidos inacción y sucesión, lo inmaterial y lo material. El punto inmaterial es, en tanto que fundamento de la pintura, el elemento de una transgresión permanente que lleva más allá de sí misma hacia su contrario, ofreciendo en esta dinámica la base de esa cualidad arrebatadora que captura al observador. Es exigente, porque, viniendo de la nada, llena lo infinito como polo opuesto y de ahí extrae su inagotable viveza”. La pintura de Carlos Blanco Artero está atravesada, sin ningún género de dudas, por un intenso vitalismo en un fascinante juego de formas que pone en movimiento la imaginación del espectador.
Carlos Blanco Artero ha reconocido que su estética está influenciada por artistas como Picabia, Richter, Bacon o Saura, haciendo que dialoguen de forma extraordinaria figuración y abstracción, retomando la herencia tanto del cubismo cuanto del expresionismo abstracto. Lejos de una codificación ortodoxa de la “tradición moderna”, consigue articular un planteamiento propio con una exquisita técnica pictórica y una gran capacidad para modular temáticas que principalmente aluden al deseo, a la pasión corporal o a la seducción que produce la mujer. Si en una obra como Zumbao (2021) es fácilmente reconocible un rostro esquematizado o grotesco con la dentadura “desencajada” y un solo ojo “desquiciado” en una obra anterior Violinist (2015) la huella del instrumento musical es irreconocible y lo que vemos son formas curvas que tienen algo de “puzle irresuelto”. Un tono lúdico, una suerte de “comedia del arte” dinamiza este imaginario en el que puede aparecer una Gogo (2021) que baila sobre un pódium cilíndrico con tacones que ponen su cuerpo al límite de la caída estrepitoso o también puede convertirse en protagonista un alemán borracho en un cuadro del 2020 en el que los elementos del rostro están desbaratados.
No podemos olvidar la importancia, en sentido general, de la abstracción en el siglo veinte. “La pintura –apunta W.J.T. Mitchell- ha sido siempre el medio fetiche de la historia del arte, como la poesía lo ha sido de la historia de la literatura y el cine de los estudios de medios. Y la pintura abstracta moderna ha sido el objeto fetiche de la historia de la pintura, el estilo específico, el género o la tradición (la dificultad de ponerle un nombre es parte de la cuestión) en el que se supone que la pintura encuentra su naturaleza esencial. Clement Greenberg lo expresó de forma más elocuente cuando declaró que el artista abstracto está tan “absorto en los problemas de su medio” que excluye cualquier otra consideración”. En la trayectoria de Carlos Blanco Artero algunas de sus obras más logradas completan la dinámica abstracta como es ejemplar en Checkmate (2023) un cuadro de gran formato (235x235 cm.) que alude, obviamente, al juego del ajedrez, pero en el que no necesitamos “identificar” las piezas ni el tablero.
A propósito de la constitución inextricable de la trama en la pintura, Yves-Alain Bois recordaba los "laberintos trenzados" de los collages de Mondrian. El devenir-visible del lugar-pictórico manifiesta algo así como la eficacia de su envés o más bien el entrelazado produce una labilidad de los planos. Carlos. Blanco Artero asume la planitud modernista de la pintura y, al mismo tiempo, introduce una sensación de misteriosa espacialidad, una sensación de movimiento interno en el cuadro o, incluso sinestésicamente, podemos hablar de musicalidad. No es casual que este artista disfrute interpretando piezas de Debussy que pone a dialogar con sus pasiones pictóricas.
Carlos Blanco Artero ha entendido perfectamente las cualidades (cromáticas) del material sensible de la pintura. La suya es una de las pinturas más lúcidas que puedan darse, aunque no excluyan la “conciencia desgarrada”, pensando siempre en la constitución de lo visible como advenimiento del color, como una materia que es, valga la paradoja, tan densa cuanto sutil. Tendríamos que volver a pensar el color, en términos aristotélicos, como potencia (vehículo de la visibilidad) que existe en el límite de los cuerpos. Las pulsiones cromáticas son complejas, aunque, en el caso de este pintor, advertimos una impresionante capacidad para combinar sin estridencias los colores en ritmos sensuales, evitando la rutina del monocromatismo y sin caer tampoco en estridencias. Sin duda, hay que reivindicar, frente a una estética tan madura e intensa, la palabra voluptuosidad, transformando el “jaque mate” en una partida que, gozosamente, no termina nunca.
En el cuadro en el que capta a Isa (2019) la dinámica metamórfica de rostredad, en el sentido deleuziano, se focaliza en un ojo que es casi “hiperrealista”. Los afectos y el deseo trenzan este lúdico modo de proceder pictórico en el que figuración y abstracción no son antagónicos, dejando de lado cualquier aproximación anecdótica. Flaubert decía que el primer propósito del arte era hacer que vieras (faire voir) y después hacerte soñar (faire rêver); el autor de Las afinidades electivas le confió a los Goncourt que cuando escribía una novela, el argumento era menos importante que el deseo de darle un color, un tono. El pintor –afirmó categóricamente Merleau-Ponty-, cualquiera que sea, mientras pinta practica una teoría mágica de la visión: las cosas pasan directamente al espíritu y éste sale por los ojos para irse a pasear a lo concreto. El elogio de lo visible parece desafiar a todos los que pretender cercar el mundo con palabras. La pintura abre corporalmente el mundo, nos hace, en todos los sentidos, videntes. Carlos Blanco Artero da a ver un “mate” cuasi-cubista en el que, por parodiar la fórmula picassiana, encuentra lo que busca: los planos cromáticos blancos grises o negros juegan con formas cilíndricas o esféricas, llevándonos a través de la superficie a sentir una topografía sensual. En Checkpoint, que recuerda aquellos paisajes surrealistas de Yves Tanguy y también remite a la concepción festiva de la pintura de Francis Picabia, se mantiene una amplia “zona” (en la parte superior derecha) aparentemente vacía, aunque podemos sugerir que está ocupada o recorrida por nuestra mirada. Acaso tengamos que contemplar los cuadros de este apasionado pintor no tanto buscando un sentido cuanto disfrutando de un impulso lúdico, sin miedo a perder el rostro, buscando otra forma de mirar.